Quem elegeu o mictorio???

Respondendo à dúvida da Cinthia do Precious Illusions no post que ela fez sobre as obras mais influentes da arte moderna:
Quem participou da pesquisa?

Um público especializado de galeristas, curadores, artistas que votaram baseados em quais obras achavam que tiveram maior influência sobre o desenvolvimento da arte no século 20. Não era um pesquisa sobre "qual é a sua obra de arte preferida", mas sim "qual a obra de arte mais influente" portanto completamente desvencilhada de gosto ou opinião, mas sim de importância histórica. É como se Ulysses de James Joyce tivesse sido eleito a obra de literatura mais influente do século 20, incontestável, né? Mas eu nunca li Joyce, e não sei se vou entender ou gostar, mas reconheço seus méritos por uma perspectiva histórica.

Este artigo do Independent mata a charada:

Fountain' most influential piece of modern artBy Louise Jury, Arts Correspondent
02 December 2004

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It was A sculpture that tore through the very notion of art and shook the cultural establishment to its foundations.

Now, 87 years after he created it, Marcel Duchamp's white urinal, Fountain , was named yesterday as the most influential piece of modern art in a survey of leading figures of the art world.

With one simple act - taking an everyday object, signing it, naming it and proclaiming it a work of art - Duchamp ripped up all received notions and paved the way for artists such as Tracey Emin to present her unmade bed and Damien Hirst to unveil his shark.

In a poll conducted for Gordon's Gin as sponsors of this year's Turner Prize, a large majority of the leading artists, dealers, critics and curators named it as the work of art that has had the most impact on art today.

The 1917 original is now lost, although a replica is on view at Tate Modern, which also owns the third most influential work on the list - the Marilyn Diptych by Andy Warhol, one of the famous screenprint paintings he made after the actress's death in 1962.

In second place was Pablo Picasso's Les Demoiselles d'Avignon, which has been long regarded by many as the first great piece of modern art and might have been expected to top the poll.

Picasso's astonishing indictment of war, Guernica , was also named, as was Henri Matisse's The Red Studio , in which he developed the idea of art being about pure colour in its own right. However, the different categories among the 500 experts polled differed in their opinions. The artists voted overwhelmingly for Duchamp but also rated Donald Judd and Joseph Beuys. None of them voted for Matisse.

Simon Wilson, an independent curator and author who used to work for the Tate, said the results of the research were absolutely fascinating.

"The choice of Duchamp's Fountain as the most influential work of modern art, ahead of works by Picasso and Matisse, comes as a bit of a shock, but is not surprising," he said.

"It reflects the dynamic nature of art today and the idea that the creative process that goes into a work of art is the most important thing, and that the work itself can be made of anything and can take any form. The fact that none of the artists voted for Matisse is also quite unexpected. My guess is that his art is seen by artists as too lacking in edge and engagement with the real world."

The research was done by talking to 500 experts and devising a list of 20 major works. The respondents were asked to pick their top three. The aim was to identify key art pieces to help the public understand more about the inspiration and creative process."

Book of Hours :: Reloaded

Na última semana tenho dado um trato no Book of Hours, o que não fazia desde que abri o blog no final de março de 2004.

Só Arte

Em termos "editoriais" o Book of Hours continua sendo um blog dedicado exclusivamente à arte, à arte com novas mídias, ao processo criativo, a jovens artistas, e à minha arte (quadros, instalações, e desenhos). Nada de diário pessoal nem clipping de notícias do mundo em geral. O B.o.H. é para aficcionados da arte e de seus desdobramentos no mundo contemporâneo, como eu.

Visual

Criei um header novo, mudei o template, porque não acredito em manter o mesmo visual por muito tempo, e o template do blogger que escolhi antes era um pouco branco demais. Minimalismo tem limite. MAS, preciso da ajuda de alguém que entenda de XML para eliminar o espaço branco em volta da imagem do header, e o espaço vazio logo acima da coluna de links para que o visual fique como quero, sem lacunas no header. Infelizmente, não entendo de XML o suficiente sem estragar o código todo. Para me ajudar, é só baixar o código da página no "view source" e me ensinar como fazer.

Coluna de Links

Em um palestra que dei em 23/09/2004 sobre o meu trabalho de arte usando Google, o projeto Imagem-Código, um dos espectadores me perguntou se existia algum site na internet que resumisse para um leigo esse universo da arte digital, ou net-art, ou arte com novas mídias. Disse que existia uma multitude de sites, blogs, projetos online, portfolios de artistas, e até hotsites de museus e instituições e de exposições que lidam especificamente desta questão. A função do Book of Hours também é esta, apresentar um panorama da arte na internet. Os novos links estão na coluna ao lado, divididos em categorias.

Portfolios

Se você é artista, músico, video-artista, ou coisa parecida e quer divulgar seu site no B.o.H, deixe um comentário com o seu link e uma breve descrição do seu trabalho que ele vira post poucos dias depois e ainda ganha um link na coluna esquerda!

Se você, leitor deste blog tiver algum link interessante, acha que está faltando alguma coisa, ou gostaria de ter o seu portfólio online divulgado aqui, deixem suas URLs nos comentários.

Obrigada!

Furo de Reportagem

O No Escribo para Pocos cantou, o LLLredirecionou, e Book of Hours publicou o post sobre as 5 obras de arte moderna mais influentes que só saiu hoje no Segundo Caderno do jornal O Globo. Claro que isso saiu na imprensa esta semana, mas nenhum carioca não-blogueiro estava sabendo.

Book of Hours também é utilidade pública.

Obrigado LLL e No escribo para pocos!

Chirsto no Central park

Quando eu era estudante de arte nos anos 90, a minha grande paixão era a confluência da arte com a arquitetura. Queria ser uma Land Artist, e devorava qualquer publicação sobre o assunto, especialmente as obras de Christo, aquele que empacota edifícios pelo mundo afora.



Em parceria com a mulher, Jeanne-Claude, a dupla já empacotou o Pont Neuf em Paris, o Reichstag em berlim, além de criar a obra "Running Fence", uma cerca de pano de centenas de quilômetros de comprimento no estado da California, terminando com um mergulh dentro do Pacifico. Entre uma obra realizada e outra, produzem vários desenhos/colagens/gravuras de ilustrações dos projetos e ganham uma nota. É assim que os land artists se mantêm vivos, enquanto não entra uma comissão, vendem prints em galerias e assim também ganham visibilidade.



A Ana Lúcia do Arte diz:

Ele já empacotou o Museu de arte contemporânea de Chicago, a Pont Neuf em Paris e também monumentos em Roma e Milão. Em 1995, eu assisti ao começo dos trabalhos de « empacotamento » do Reichstag em Berlim, projeto que começou nos anos 70 e se concretizou apenas depois da queda do muro. Na época, vi o resultado virtual através de cartoes postais e o resultado « real », eu vi somente através de fotografias.

Pois a partir da semana que vem a equipe de Christo e de sua colega Jeanne-Claude começam a trabalhar em um novo projeto no Central Park em Nova Iorque, que consiste em instalar no parque 7 500 portões de aço cobertos de tecido. O projeto estará pronto em fevereiro do ano que vem.

Sad, but True

Comentário colhido no Canal Contemporâneo sobre uma competição de bolsas de arte por um ano:


Jovens pintores, pintores desconhecidos, pintores tardiamente reconhecidos ou não, nada de ódio, revolta ou ilusão. vocês não terão chance!!
Nesta jovem arte moderna, concreta, neoconcreta, contemporânea, (SEM CHANCE) neste país, do terceiro mundo com a idade da monalisa, onde críticos, curadores e outros pensam e agem como a cinquenta anos atrás eles odeiam pintura e pintores, tirem retratos eles vão adorar. Não gastem seu dinheiro com potifólios.

Enviado por : JOSÉ BERNNÔ em outubro 28, 2004 04:19 PM

Ranking das obras de arte moderna mais influentes

5 gênios tiveram suas obras apontadas como as mais influentes do século 20.

1 - The Fountain, Marcel Duchamp, 1917
2 - Les Demoiselles D'Avignon, Pablo Picasso, 1906
3 - Marilyn, Andy Warhol, 1961
4 - Guernica, Pablo Picaso 1937
5 - O quarto vermelho, Henri Matisse

"Urinol de Duchamp influenciou mais que "Guernica", diz pesquisa,"

LONDRES (Reuters) - Um urinol branco com uma assinatura em preto ficou na frente de duas famosas pinturas de Pablo Picasso em uma pesquisa britânica para descobrir as cinco obras de arte moderna mais influentes do mundo.

"Fountain", o urinol criado por Marcel Duchamp em 1917, ficou em primeiro lugar, superando "Les Demoiselles d'Avignon" e "Guernica", de Picasso, que ficaram em segundo e quarto lugar, respectivamente, na pesquisa com 500 trabalhos de arte moderna considerados importantes.

Em terceiro lugar, na enquete realizada pelo organizador do Prêmio Turner e pelo fabricante de gim Gordon, ficou a obra "Marilyn Diptych", de Andy Warhol, e em quinto, "The Red Studio", de Henri Matisse."



Duchamp foi eleito o primeiro porque ele foi quem possibilitou toda a arte da segunda metada do século 20, que é quase inteiramente conceitual, ou derivada de conceitualismos. Ganhou a obra mais não-formal, uma obra que alia a alta e a baixa cultura justificando boa parte dos movimentos artísticos americanos como a arte pop e seus derivados na arte contemporânea, cuja grande questão é justamente o conflito da origem da imagem. Duchamp fio um daqueles poucos que redefiniu a arte e abriu novas possibidades.



Picasso, em segundo lugar, foi responsável pela revolução da forma com o cubismo. Demoiselles D'Avignon é importante por vários motivos, promoveu a quebra total do plano e iniciou a quebra da representação, trouxe elementos não-ocidentais como máscaras africanas como elementos pictóricos e com isso criou uma verdadeira revolução do olhar.



Warhol não foi o primeiro a aliar a alta e a baixa cultura, mas foi o que melhor o fez. Apropriou imagens de revistas e jornais, deu à sopa enlatada status de obra de arte, iniciou a imagem serial, incluiu a fotografia como um fazer da arte e não como algo separado e mergulhou fundo no mundo das celebridades inclusive criando a si próprio como tal. Até hoje é difícil pensar em fazer apropriação de imagens sem considerar que ele foi o melhor.



Picasso, novamente, com Guernica é a única obra que não concordo estar entre as 5 mais. É um quadro importante, sem dúvida, mas é um cubismo, digamos assim, popular. Não chega aos pés do Demoiselles D'Avignon em termos de revolução do olhar que ele, ainda garoto, conseguiu fazer. São muitas as obras importantes de Picasso, mas de todas o Demoiselles D'Avignon é definitivamente o único que mereceria estar aqui no topo.



E por último veio a genialidade da cor com um dos melhores quadros de Matisse, O Quarto Vermelho. Tem aspecto formal, com certeza, mas essa não é a questão do quadro. Matisse reinventou a cor dentro da arte moderna, e, nesse domínio é insuperável, e possivelmente o melhor colorista de todos os tempos.



Eu definitivamente incluiria Mondrian nessa lista, ao invés de Guernica. Mondrian resumiu todas as tendências construtivas do início do século em sua obra, e abriu caminhos para toda a arte geométrica que veio depois. Para o Brasil, a presença de Mondrian nessa lista seria fundamental, dado que a nossa arte moderna tem uma característica concreta e construtiva muito forte.

Do LLL via No Escribo Para Pocos. Obrigada!

Choose your own color

Tem uma faceta do mundo da arte que é detestável, aquela arte que o comprador adquire só para combinar com a cor da parede e com o sofá. Quer dizer, a obra de arte só é comprada por um mérito decorativo e em geral esse tipo de arte é horrorosamente realista e cafona.

Para facilitar a vida daqueles-que-compram-arte-para-combinar-com-o-sofá o site da galeria Artyx oferece um modo de visualizar os quadros de acordo com o fundo da sua parede para que você não cometa o crime hediondo de comprar um quadro que não "combine" com sua parede lilás, laranja, amarelo-canário, verde-bandeira, gêlo, etc. E além disso, você pode visualizar o tipo de moldura para não errar de jeito nenhum. Chiquérrimo, não?

(puke!)

Do-It-Yourself Art

Se você sempre quis ser um colecionador de arte e nunca teve grana para adquirir obras de grandes artistas, seus problemas acabaram.

Com o "Arte Generator Doméstico Tabajara" você pode seguir instruções de um grande artista e possuir uma obra assinada por ele a custo zero! Basta acessar este site e seguir as instruções da tela. É tão fácil que até seu macaco de estimação faria.

Exemplo: Você é um grande admirador do escultor cubano Felix Gonzalez-Torres mas nunca teve grana para adquirir nem a ponta do cinzel que ele usava. O próprio dá as instruções de como executar uma obra sua:

- "Sem Título" - Felix Gonzalez-Torres ( - 1996)

Compre 100 quilos de balas (candy) envoltas de papel e despeje em um canto qualquer.



- "Sangue Bom" - Lygia Pape (1929-2004)

Duas pessoas sentam numa cadeira, uma em frente à outra.
As duas pessoas devem sentar-se segurando um cubo de gelo vermelho (devem fazer um cubo de gelo com tinta vermelha).
Depois de um tempo, o gelo de uma das 2 pessoas terá derretido antes da outra.
Essa pessoa é o sangue bom.

Tá esperando o quê? Vá correndo acessar o Arte Generator Doméstico Tabajara e tenha você também uma obra de arte contemporânea em casa!

Chris Ashley: Look, See

Descobri um novo blog de artista, de Chris Ashley, americano. Faz uma série entitulada de "HTML Drawings", usando código de hipertexto para criar composições de cores. Lembra arte concreta mas com um twist contemporâneo.

Fui tentar copiar uma imagem de seu blog para postar aqui, mas não consegui, só deu pra ver o código-fonte. Então é verdade, ele cria imagens com html puro. Linda idéia.

Uma resenha sobre seu trabalho:

Chris Ashley's pictures, illumined images on a flatscreen surface that cross over from inner-vision to realization via keyboard and code, not brush-stroke and paint, are surprisingly embodied. These are "table drawings" created using HTML—hypertext markup language, the programming code that enables the World Wide Web. Individual pictures appear as part of a series or set, with the sets accumulating over days, months and years at Ashley's website. That's the practicum, the result is a body of work that interrogates color, and in the bargain, investigations of arranged space interrogate time. These discrete events, going past as daily images, gather and grow together, becoming a metamorphosis . . . which is, after all, an embodiment of time..

Sou particularmente fã de artistas que criam arte-objeto (um quadro, ou uma escultura no sentido tradicional) usando o meio eletrônico como matéria.

Sou fã porque sou dessa turma e vejo que mais e mais existem artistas que estão reinterpretando a pintura tradicional em termos eletrônicos sem ter "cara" de arte eletrônica. Isso nos faz questionar a origem de uma imagem, que por trás da imagem não existe apenas um monte de tinta sobre um pedaço de lona. Atrás da imagem está uma codificação complexa, um sistema, que nos faz repensar a definição dos termos "imagen" e "pintura". É por esse caminho que estou trilhando....

Arte na era da banda larga

Chega de moldura, frete, montagem, e encheção de saco na hora de montar exposição e na hora de entregar o trabalho na casa do colecionador.

Hoje em dia, os artistas que trabalham com mídias digitais podem ficar descansados e nutrir seus sonhos de ficarem ricos. Você vende um certificado de autenticidade e um CD-Rom com a sua obra de arte. E o comprador produz a obra como quiser, no tamanho que quiser para caber naquela parede da sala.

Este artigo conta como um brasileiro chamado Eli Sudbrack fez fortuna vendendo suas obras instalativas em formato de CD para os compradores. Ele produz desenhos, decalques, murais, tudo num estilo meio kitsch, meio pucci, o que eu não achei nada lá dessas coisas. A inovação fica por conta do modo de venda, um arquivo illustrator gravado em CD, e das instalações, que, além dos painéis, conta com música e vídeos contendo imagens das mais díspares possíveis. Eli Sudbrack, aka Assume Vivid Astro Focus virou milionário. Arrecadou quase 1 milhão de dólares na sua exposição na Bienal do Whitney Museum em NY.



A questão não reside mais na obra de arte e sua integridade, e sim na sua distribuição e proliferação. O Assume Vivid Astro Focus põe o Walter Benjamin, autor de "A obra de arte na era da reprodução mecânica" no saco. Nada de "aura" da obra de arte, nada de perda de sentido na reprodução em série. O futuro da arte reside em um simples CD-Rom.

Obviamente este novo modo de "vender" e "adquirir" arte contemporânea requer um olhar profundo sobre a circulação da arte e a permanência da própria. Como lidar com uma arte que não é mais um "objeto", e sim um punhado de pixels? Como tornar um projeto processual, ou um software um ítem de colecionador, único? Como manter a autenticidade de uma obra de arte que pode ser muito facilmente reprodutível e modificável, inclusive podendo ser forjado o seu certificado de autenticidade?

Is this madness? That's debatable. But the sales model definitely reflects a fundamental change in how art can be produced and sold. Purely digital art—sold as software or access to online environments—has been creeping into the art market over the last decade, but it still remains very much marginalized. What sets Sudbrack apart is that his model is a hybrid, safely within the object-oriented paradigm of classical collecting yet exploiting digital production's advantages. (In the broadband age, the CD with the piece's image is really just a prop, after all.)

Tenho um amigo fotógrafo que fez 8 cópias de uma fotografia e depois destruiu o fotograma. Ele dizia que não fazia sentido manter o fotograma "vivo" pois era justamente a edição limitadíssima de cópias que garantia a autenticidade da obra e a cobiça em cima das poucas cópias existentes. Com esse gesto ele queria manter a sua autoria intacta, já que o fato do fotograma inexsistir era uma prova de sua autenticidade.

Mas vejo esse gesto como sendo anacrônico. Nos anos 70, o artista minimalista americano Sol Le Witt simplesmente enviava as instruções detalhadas para a feitura de sua obra para a galeria, que por sua vez contratava uma equipe especializada que executava a obra. No final o Sol Le Witt aparecia só para inspecionar o resultado. O que ele queria com isso era provar que a "mão" do artista era irrelevante para a obra de arte, que agora era reduzida a uma série de instruções. É um gesto essencialmente mecanicista em um meio onde imperava, até então, e com o Expressionismo Abstrato que precedeu imediatamente o minimalismo/conceitualismo, o virtuosismo do artista e a inspiração divina. O artista não é mais um herói, ele é apenas um servo de uma sociedade que reduziu a criação a um parâmetro técnico e banal.

Mas Sol Le Witt nos fez pensar sobre o que é ou o que não é arte. Assim como Eli Sudbrack. Não é mais a imagem que conta e sim como e por quem ela é realizada. Tirando o artista fora da questão, a arte torna-se de todos. Até que o mercado subverta essa noção novamente.

Ministro da Cultura Argentino renuncia

Argentinian Minister of Culture Resigns

"BUENOS AIRES, ARGENTINA.- The Minister of Culture of Argentina Torcuato Di Tella resigned. He had been at the post since May 2003. Miguel Nuñez, an official spokesperson requested the minister to resign. He was also the one that invited him to the post.

Di Tella was not able to control his mouth. He stated his department was a ‘circus’where the beasts ate each other. He stated that he was sexually aroused by the press stories that mention his name. He once said that he says what he wants without worrying about the form.

Some said the president laughed when Di Tella talked."

Só argentino mesmo.

Se deter no tempo eh luxo soh

Essa foto do Henri Cartier-Bresson tirada em 1932 em Paris é uma daquelas imagens incríveis em que há mais a ser dito e visto do que o artista poderia ter imaginado.

Tem jogo de espelhos com os reflexos das figuras sobre a água, existe um prenúncio da arte minimalista e arte conceitual dos anos 70 (os elementos circulares que estão sobre a poça d'água, a escada que leva para o nada), e que, para a arte fotográfica, representa um daqueles raros momentos em que a realidade, por um instante, se torna uma ficção. Essa fotografia é para mim um daqueles momentos improváveis que o olhar de um reles mortal não perceberia. Só o olhar atento de um artista como ele seria capaz de perceber, captar, um momento desses. É uma imagem com raro potencial de vida, daquelas que nascem vivas e assim permanecerão para todo sempre. Esse homem parece continuar andando na corda bamba invisível 70 anos depois. Lindo, lindo.

Aos 80 anos, depois de ter fotografado através de quase todos os eventos importantes do século 20, e ter feito retratos de quase todo mundo que importa na história, além de famosos anônimos, Cartier-Bresson largou a fotografia e começou a desenhar e pintar. Ele dizia que "se deter no tempo é um privilégio de poucos", e encontrou no desenho a melhor maneira de contemplar o tempo no final de sua vida, longe do tempo instantâneo da fotografia.

Vi essa imagem numa edição comemorativa na revista Photo e mais infos sobre o HCB na Fondation Henri Cartier-Bresson

Coletivo Mineiro

A galera da arte contemporânea está dando uma banana para o mundo institucionalizado e mandando ver na coletividade à base da guerrilha. É só prestar atenção nas ruas da cidade, nos tapumes e nos muros de ruas abandonadas e lá está uma obra de arte, assim, escondida, mas não menos presente.

O Grupo Poro de BH é um desses grupos que faz arte por aí.

Muito Maneiro

Fotos do artista paulista Alexandre Órion, misturando ficção e realidade. Um barato.
MetaBiotics

Angustia (bocejos)

Do meu melhor amigo e uber-blogueiro LLL, que fala de literatura e recebe, de vez em quando recebe contos de outros autores jovens. Tudo o que ele respondeu a este jovem autor pode ser aplicado para a arte, se substituirmos os termos referentes à escrita por aqueles da arte. Vai muito de encontro aos Clichês da Arte Contemporânea, um post meu antigo e linkado aí do lado. Alexandre e eu concordamos, e é quase um pacto nas nossas vidas e com a nossa arte ( aliteratura dele e aminha pintura), que a arte é um ato de construção consciente.

Faço minhas as suas palavras, lembrando Rilke, bem de longe, em Cartas a Jovem Poeta:

"Coisas que Fluem

Estava conversando hoje com um jovem artista plástico que fez a bobagem de me mostrar um desenho. Eu não gostei. Achei um amontoado de lugares-comuns. Tive a impressão de já ter visto aquele mesmo desneho mil vezes.

(...)

Enfim, meu jovem artista disse que o importante no seu desenho era a angústia: "Eu tenho milhares de momentos... esse foi um momento de angústia."

E eu pensei, cá com meus pincéis, mais um angustiado, meu deus!

Eu me lembro da época em que a pintura falava da verdade, da moral, do ciúme, da culpa, da redenção. Mas, a partir do século XX, sabe-se lá por quê, a pintura passou a só falar de angústia e seus temas correlatos: o vazio da vida contemporânea, a efemeridade das relações humanas, etc etc, blá blá bleargh.

Naturalmente, é uma relação parasitária: quando mais a pintura torna-se repetitiva e monotemática, mais angustiados ficam os pobres espectadores e produtores de quadros. Resultados: mais quadros sobre angústia.

Não é nem que eu não tenha momentos de angústia, mas eu teria vergonha de desenhar sobre eles, e ser mais um nessa multidão de artistas plásticos angustiados.

Continuou o meu jovem artista: "Quando estou com qualquer sentimento fora do comum preciso pintar para me libertar... Os desenhos fluem somente."

E eu suspirei: meu amigo, eu disse, com vontade de bater em seu ombro, o que flui é a sua urina quando mija. Arte é uma construção consciente.

E ele: "Não disse que não estava inconsciente... Mas quando pega-se o papel e as formas começam a sair, você tem de deixá-las..."

Essa é a questão. Eu e meu jovem artista temos concepções algo diferentes do que é pintura. Não que isso seja problema. Muita gente chamada de genial pelos cadernos especializados também pensa diferente de mim e isso não impede de serem convidados a todos os coquetéis.

Há uma diferença enorme entre desenhar um diário e fazer pintura. Os seus grandes momentos dão grandes páginas do seu diário: não, necessariamente, pintura.

No primeiro rascunho, concordo, não se contenha, não se reprima, não pense muito e nem se analise. Deixe fluir tudo de dentro de você - mas com higiene, por favor. Mas, logo depois, é hora de rever com consciência crítica. Corrigir, apagar, por mais doloroso que seja. Principalmente, é hora de decidir se você fez pintura (ou algo que pode tornar-sepintura) ou só mais uma página do seu diário.

Nem tudo o que sai de você é pintura."